سفارش تبلیغ
صبا ویژن

آشنایی با موسیقی در دوره قاجار

موسیقی در دوره قاجار

موسیقی در دوره قاجار رنگ دیگری به خود گرفت. در این دوران استادان موسیقی به نواختن و آموزش سازهای سنتی ایرانی پرداختند و این موضوع از جانب دربار هم مورد توجه قرار گرفت.

در آن زمان‌ها ناصرالدین شاه قاجار به زنان دربار دستور داد تا مدت 2 سال برای آموزش موسیقی بکوشند و بعد از دو سال تمرین آن‌ها از نتایج دیده شده شگفت زده شد. 2 استاد مرد به نام‌های سهراب ارمنی اصفهانی و رستم یهودی شیرازی مسئولیت آموزش به زنان دربار را داشتند. در آن زمان با توجه به حساسیت‌هایی که برای حجاب داشتند، زنان با پوشش کامل به طوری که تنها صورت آن‌ها نمایان بود، در کلاس موسیقی حاضر می‌شدند. پس از آن دسته‌ای از بانوان هنرمند طی دو سال به صورت مکرر به تمرین سازهایی که به آنان آموزش داده می‌شد می‌پرداختند تا برای روز رونمایی از هنر خود آماده شوند. در آن روزها آموزش موسیقی به کودکان هم از جانب اساتید ماهر انجام می‌شد. معمولا کودکانی که پدر هنرمند داشتند که در نواختن سازی متبحر بودند، برای آموزش یک امتیاز ویژه داشتند. چرا که یک استاد ماهر مشوق آن‌ها می‌شد.

به طور کلی از آثار موسیقی در دوره قاجار اطلاعات کافی وجود ندارد. حتی موسیقیدان‌های آن زمان هم کتابی از سرگذشت موسیقی آن دوران ارائه نکرده‌اند.

سازهای محبوب در دوره قاجار

دوتار، سه‌تار، تار،کمانچه، سنتور، نی و فلوت از سازهای محبوب در دوره قاجار بودند. در این میان عده‌ای به نوازندگی مشغول بودند و در طول زندگی خود شاگردانی هم تربیت می‌کردند. اما به طور دقیق نمی‌توان گفت که چه کسی برای اولین بار فنون نوازندگی این سازها را فراگرفت. تاریخ موسیقی ایرانی پر از رمز و راز است و تنها با گفته‌های کمی که موجود است می‌توان به نتایجی رسید.

اما جالب است بدانید موسیقی در دوره قاجار تنها به سازهای سنتی ختم نمی‌شد. ساز پیانو نیز در این سال‌ها مورد توجه عده‌ای از علاقمندان به موسیقی قرار گرفت.

توجه به هنر موسیقی افراد زیادی را هم به سمت خوانندگی تشویق می‌کرد. در واقع حضور سازها می‌توانست با یک آواز برای شنونده تکمیل شود.

در آن سال‌ها از ساز نی و فلوت برای تعزیه خوانی هم استفاده می‌شد. افرادی که به این ساز علاقمند بودند، به دارالفنون می‌رفتند. اکبر فلوتی که استاد فلوت در این دوره بود چند صفحه گرامافون از آثار خود برجای گذاشته است.

موسیقیدانان دوره قاجار

قدیمی‌ترین فردی که به عنوان نوازنده تار در کتاب‌های مربوط به دوره قاجاریه شناخته شده، علی اکبر فراهانی است. خانواده او به خاندان هنر شناخته می‌شدند. علی اکبر فراهانی به موسیقی دستگاهی آگاهی داشت. قدرت او در نوازندگی به قدری بود که کسی توان رقابت با او را نداشت. چرا که دائما نیز از جانب شاه قاجار مورد تحسین قرار می‌گرفت. او دارای 3 فرزند پسر بود که 2 تن از پسران راه پدر را در نوازندگی تار ادامه دادند.

پس از مرگ علی اکبر فراهانی، برادرزاده و شاگرد او مسئولیت آموزش به 2 پسر علی اکبر را به عهده گرفت. پس از گذشت چند سال میرزاعبدالله که یکی از پسران علی اکبر فراهانی بود توانست در نوازندگی ساز سه‌تار و تار خبره شود. او این هنر زیبا را از برادر بزرگتر و ناپدری‌اش آموخت.

غلامحسین درویش که به درویش خان هم شناخته می‌شد، هنر نوازندگی را در سنین کودکی و در دارالفنون آموخت. بعد از خبره شدن او در گروه موسیقی داماد ناصرالدین شاه به عنوان نوازنده طبل انتخاب شد. او همچنین نوازندگی سه‌تار را هم آغاز کرد و پس از تسلط کافی شروع به تربیت هنرجویان آن دوره کرد.

محمدحسن خان به عنوان اولین نوازنده سنتور در تاریخ ایران شناخته می‌شود. به طوری که نام او را سنتور خان گذاشتند. محمدصادق خان که نوازنده کمانچه بود، به شاگردی محمد حسن خان درامد. محمد صادق خان را اولین موسیقیدان ایران می‌گویند. چرا که علاوه بر نوازندگی کمانچه، سنتور، سه تار، نوازندگی پیانو هم فرا گرفت. او اصول نوازندگی ساز کمانچه را از پدرش آموخته بود و در دربار ناصرالدین شاه قاجار صدای آثار خود را به گوش مردم می‌رساند.


آموزش موسیقی در میانسالی

موسیقی در میانسالی

یادگیری هنر سن و سال ندارد. بهتر است برای آموزش و انجام کارهای هنری که با هر جنبه‌ای که دارند را محدود به سن و سال نکنید. انسان‌های خوش ذوق و با انگیزه بهتر با این موضوع کنار می‌آیند. در این مقاله می‌خواهیم درباره آموزش موسیقی در میانسالی صحبت کنیم.

شاید بپرسید میانسالی به چه سال‌هایی از عمر یک انسان می‌گویند؟ میانسالی دوره‌ای از زندگی هر فردی را می‌گویند که او نه پیر است و نه جوان. آیا چنین دوره‌ای فرد آمادگی یادگیری هنر موسیقی را دارد یا خیر؟ در جواب شما باید بگوییم بله. یادگیری موسیقی هیچ محدودیت سنی ندارد. تلاش و تمرین برای یادگیری هر هنری شرط موفقیت آن است. البته داشتن استعداد هم باید در نظر گرفت. اگر بخواهید به آرزوی جوانی خود برسید که تا به حال به دلیل مشغله‌های زندگی به آن نرسیده‌اید، در یک آموزشگاه موسیقی در تهران می‌توانید ثبت نام کنید و آموزش این هنر زیبا را آغاز کنید. آموزشگاه‌های خوب در تمام شهرهای ایران وجود دارند، کافی است کمی تحقیق کنید.

برای تعیین سن میانسالی نظرات مختلفی ارائه شده است. برخی آن را 42 تا 67 سالگی می‌دانند. این آمار با نظرسنجی از طرف خود مردم صورت گرفته است. به هر حال آموزش هر سازی که مورد علاقه‌تان باشد، می‌تواند تاثیرات روانی مثبتی در شما ایجاد کند. همیشه یاد گرفتن به ما حس مفید بودن می‌دهد. این حس را از خود دریغ نکنید.

یادگیری موسیقی در میانسالی

همانطور که گفتیم لازم نیست خودتان را برای یادگیری محدود کنید. یاد ضرب المثل “ماهی را هر وقت از آب بگیرید، تازه است” بیفتید. بنابراین هر زمانی که احساس کنید می‌توانید ساز مورد علاقه خود را برای نواختن بیاموزید، فرصت مناسبی است. یک استاد خوب برای آموزش ساز خود پیدا کنید. در صورتی که امکانش باشد یک جلسه به صورت آزمایشی برای آموزش پیش استاد خود بروید تا راهنمایی‌های لازم مانند خرید ساز و حتی نحوه تدریس استاد را بشناسید.

اگر پرداخت هزینه‌های آموزش خصوصی ساز برای شما غیر ممکن باشد، می‌توانید در کلاس‌های آموزش موسیقی آنلاین شرکت کنید. البته نرم‌افزارهایی هم وجود دارند که با خرید آن می‌توانید آموزش را به صورت ویدیوهای ضبط شده مشاهده کنید.

برای خرید ساز لازم نیست از همان ابتدا گران‌ترین و حرفه‌ای‌ترین ساز را خریداری کنید. می‌توانید یک ساز معمولی‌تر برای افراد مبتدی را خریداری کنید و بعد از گذشت مدتی برای خرید ساز بهتر اقدام کنید. برای خرید ساز حتما با استاد موسیقی خود مشورت کنید تا ساز مناسب با بودجه و یادگیری شما را معرفی کند.

وقت و حوصله به خرج دهید

این طبیعی است که در این سن حوصله شما از کودکان و حتی 10 سال پیش خودتان، حوصله کمتری داشته باشید. این به آن منظور است که آستانه صبر و حوصله شما ممکن است کمتر از کودکان باشد. پس جای نگرانی نیست. شما تنها نیاز به تمرین بیشتر دارید.

برای یادگیری در هر سنی که باشید نیاز به عزم جزم دارید. این که یادگیری را در میانه راه رها نکنید و از شاخه‌ای به شاخه دیگر نپرید. قبل از شروع به یادگیری حتما علایق خود را پیدا کنید. درباره سازها تحقیق کنید و با یک استاد با تجربه صحبت کنید. البته بسیاری از اساتید دو ساز تار و گیتار را برای سنین میانسالی توصیه کرده‌اند. یادگیری این دو ساز در این سنین آسان‌تر و قابل فهم‌تر است، اما این که نیاز به تمرین مداوم دارد دور از انتظار نیست.

تمرین و وقت گذاشتن برای آن مهم‌ترین بخش آموزش موسیقی در میانسالی است. اگر هر روز برای خود یک زمان مناسب برای تمرین مشخص کنید، بهترین نتیجه را خواهید گرفت. اما یک فرضیه دیگری هم وجود دارد که اساتید با تجربه می‌گویند در هر زمانی که تمرکز و حوصله تمرین داشته باشید بهترین زمان برای مرور جلسات آموزش است. با این حساب در روزهایی که حوصله تمرین ندارید و تمرکز شما بر روی موسیقی نباشد، لازم نیست به خود سخت بگیرید.


آشنایی با تاریخچه ساز دوتار

تاریخچه ساز دوتار

اگر علاقمند به یادگیری این ساز هستید می‌توانید در آموزشگاه راه صبا زیر نظر استاد ایوب سعیدی آن را بیاموزید. اگر به دنبال یک آموزشگاه موسیقی در تهران با اساتید با تجربه هستید ما به شما این آموزشگاه را معرفی می‌کنیم.

قصد داریم در این نوشته راجع به ساز دوتار با شما صحبت کنیم. یکی دیگر از سازهای زهی است که دلیل نامگذاری آن دقیقا با ساختار این ساز یک مفهوم را می‌رساند. یعنی این ساز دارای دو تار است که قدمتی کهن در ایران زمین دارد. در ادامه تاریخچه ساز دوتار را برای شما می‌گوییم.

این ساز در ایران و کشورهای آسیای مرکزی محبوبیت خاصی دارد. اما زادگاه آن به کشور ایران باز می‌گردد. نمونه‌هایی از تصاویر این ساز در به صورت حجاری شده در طول تاریخ ایران مشاهده شده است.

برای نواختن این ساز از پنجه استفاده می‌شود و مانند تار و سه تار نمی‌توان از مضراب و ناخن برای نواختن آن استفاده کرد. معمولا برای نواختن آن از دو انگشت شست و انگشت سبابه استفاده می‌کنند. البته در برخی از ناحیه‌ها از دیگر انگشتان دست نیز برای نواختن بهره می‌گیرند. نوازنده برای نواختن دو راه دارد. یکی نواختن تارها به طریقی که نوک انگشتان با صفحه ساز برخورد نکند که در این صورت صدای شنیده شده صدای ظریفی است. در نوع دیگری علاوه بر برخورد انگشتان به سیم، به صفحه ساز هم برخورد دارد که صدای بی‌نظیری از آن شنیده می‌شود.

دوتار چه نوع سازی است؟

این باعث افتخار است که چنین سازی زادگاه ایرانی دارد. جلوه ظاهری این ساز ساده است. یک کاسه گلابی شکل چوبی با دسته‌ای باریک که پرده‌ها و سیم بر روی آن نصب شده است. اما اگر بخواهند آن را تزیین کنند قسمت دسته آن را با سنگ فیروزه یا استخوان شتر زیباتر می‌کنند. این کار بیشتر در استان خراسان انجام می‌شود. چوب استفاده شده برای ساخت این ساز، چوب درخت توت، گردو، زردآلو یا عناب است. در قسمت داخلی کاسه آن حفره‌هایی وجود دارد که تضمین کننده صدای ناب ساز می‌شود. در صورتی که این حفره‌ها در اثر رطوبت تغییر شکل دهند، صدای اولیه و با کیفیت از ساز به گوش نمی‌رسد.

در گذشته‌های دور چوب این ساز را با روش‌هایی به شکل پوک در‌آورند تا صدای بهتری از آن به گوش برسد. یکی از این روش‌ها قرار دادن چوب ساز درون آهنگ بود.

امروزه دو رشته سیم فلزی بر روی این ساز نصب می‌شود، اما در گذشته‌های دور از ابریشم برای ساخت سیم‌های آن استفاده می‌شد. همانطور که گفتیم این ساز دارای دو تار است. یکی از آن‌ها صدای بم‌تری دارد و دیگری به عنوان صدای زیر استفاده می‌شود.

تاریخچه ساز دوتار

بسیاری بر این باورند که این ساز برای اولین در قسمت خراسان شمالی به محبوبیت رسید. قدمت آن به چند هزار سال پیش باز می‌گردد. البته این ساز در نواحی‌های دیگری از کشورمان نیز نواخته می‌شد.

بسیاری از موسیقی‌دان‌ها این ساز را مادر تنبور و سه تار می‌دانند. این ساز در گذشته‌های دور در خراسان شمالی اهالی روستا را به دور هم جمع می‌کرد تا برای شنیدن نوای این ساز به گوش بنشینند.

دوتار در شهرهای دیگری مانند  نیز ساز محبوبی است. اما در هر نقطه صدای به خصوصی از این ساز به گوش می‌رسد. اما اصول ساخت این ساز در هر منطقه به یک شکل است. به طور کلی دوتار در قسمت شمالی و شرقی ایران طرفداران بیشتری دارد. این ساز علاوه بر خراسان شمالی در شهرهای ساری، علی آباد کتول، گلستان و ترکمن صحرا هم رواج دارد. دوتار در قسمت‌های شمالی و شرقی ایران دارای تفاوت‌هایی هست. یکی از تفاوت‌های آشکار در این دو منطقه تعداد پرده‌های دسته ساز است. تعداد پرده‌های این ساز در منطقه خراسان شرقی هشت پرده و در قسمت خراسان شمالی تعداد یازده پرده بر روی دسته ساز مشاهده می‌شود.


موسیقی تلفیقی چیست؟

موسیقی تلفیقی

هنر موزیسین سبک‌های تلفیقی این است که سازهای موسیقی را محدود نداند. جدا از این که هر سازی برای خود یک مبدا ساختی دارد، بتواند آن را با هم به یک هماهنگی زیبا برساند.  شما می‌توانید انواع سازهای سنتی و پاپ را در آموزشگاه راه صبا که یکی از بهترین آموزشگاه موسیقی در تهران است را بیاموزید.

موسیقی هم مانند هر هنر دیگری سبک‌های متنوعی دارد. یکی از حس‌های 5 گانه ما شنیدن که موهبتی برای گوش دادن موسیقی است. برای این هنر تنها شنیدن کافی نیست. باید درک درستی از موسیقی داشته باشیم. سلیقه هر فردی شنیدن سبک یا سبک‌های خاصی را انتخاب می‌کند. اگر هر یک از این سبک‌ها را باهم استفاده کنیم و یک موسیقی ترکیبی ایجاد کنیم، در واقع موسیقی تلفیقی ایجاد کرده‌ایم.

آهنگساز در پشت ساخت یک قطعه موسیقی آن هم به روش تلفیقی حتما هدفی در پیش دارد. اگر به این هدف پی ببرید گوش دادن به نواهای تلفیقی برایتان جذاب‌تر از گذشته می‌شود و موسیقی دریچه جدیدی به رویتان باز می‌کند.

 ممکن است دو ساز برای دو کشور متفاوت و دو فرهنگ کاملا متضاد برای یک قطعه موسیقی انتخاب شود. اما برای پدید آوردن یک آثار تلفیقی زیبا باید به صورت هوشمندانه برخورد کرد و از دل آن تشابه‌هایی را ایجاد کرد.

تعریف موسیقی تلفیقی

این نوع موسیقی نام دیگری هم دارد؛ موسیقی فیوژن. کلمه فیوژن به معنی پیوستگی و ترکیب، به سادگی مفهوم این سبک از موسیقی را می‌رساند. تاریخچه موسیقی فیوژن به حدود 50 سال پیش بازمی‌گردد. در آن سال‌ها عده‌ای از موزیسین‌ها این کار را با ساز جاز کردند. بداهه نوازی باعث شد آن‌ها ساز جاز را به طوری بنوازند که با سبک‌های متفاوت مانند بلوز، راک و … هماهنگی داشته باشد. به این ترتیب توانستند چند سبک را با هم تلفیق کنند و یک سبک جدید خلق کنند.

آن‌ها به این سبک ابداعی جاز فیوژن می‌گفتند، چون برای ساز یک قطعه از سازهای الکتریکی استفاده می‌کردند و حضور سازهایی مانند پیانو در آن کاربردی نداشت.

بعد از این که موسیقی با سبک جاز فیوژن بین شنوندگان و موسیقیدان‌ها محبوب شد، این روش برای سبک‌های دیگر هم مورد استقبال قرار گرفت. از آن پس هر وقت برای یک قطعه موسیقی از دو یا چند سبک موسیقی استفاده می‌شد به آن موسیقی فیوژن یا تلفیقی گفتند. این اتفاق یک رویکرد جدید در دنیای موسیقی به حساب می‌آمد.

موسیقی فیوژن در ایران

به تازگی شاهد وارد شدن این سبک به موسیقی‌های ایرانی هستیم. این موسیقی‌ها اگر به صورت هنرمندانه خلق شوند تبدیل به یک شاهکار می‌شوند. امروزه در گروه‌های موسیقی ایرانی راجع به این سبک موسیقی تلاش‌های فراوانی می‌شود. گروه دنگ شو یکی از گروه‌های موسیقی بود که اثرات خود را به صورت موسیقی تلفیقی به گوش مردم می‌رساند. گروه‌های دیگری هم این کار را انجام دادند و بازتاب خوبی از این ماجرا دریافت کردند.

اگر در سطح حرفه‌ای هستید و می‌خواهید اثری متفاوت خلق کنید لازم است به تمامی ویژگی سبک‌های متنوع موسیقی تسلط داشته باشید. علاوه بر این شما باید قابلیت‌های سازهای موسیقی را بدانید و آن‌قدر توانمند در این امر باشید تا بتوانید چند فرهنگ موسیقی را در هم پیچ و تاب دهید و یک اثر هنری بی نظیر به دست آورید. اثری که هر شخصی با شنیدن آن به فرهنگ‌های مختلف موسیقی هم علاقمند شود.

با این روش خیلی از افراد موسیقی سنتی و موسیقی پاپ را با هم به تلفیق در می‌آورند. ممکن است شنونده علاقه چندانی به موسیقی سنتی نداشته باشد و به همین دلیل با این سبک غریبه باشد. در صورتی این اثر با سبک تلفیقی به دل شنونده بنشیند، ذهن او را کنجکاو می‌کند تا بیشتر از این سبک اطلاعات به دست آورد. به همین واسطه بسیاری از افراد با سبک سنتی و فرهنگ کهن ایرانی آشنا شدند و دایره سلایق آن‌ها در موسیقی گسترش یافت.


جوزپه وردی خالق شاهکارهای اپرا

جوزپه وردی

نام جوزپه وردی بر تارک اپرا می‌درخشد. جوزپه فورتونینو فرانچسکو وردی (Giuseppe Fortunino Francesco Verdi) موسیقی‌دان و آهنگساز ایتالیایی سبک رمانتیک در اوایل قرن نوزدهم (1813-1901) است. بیشتر ساخته‌های وردی در زمینه اپرا نوشته شده و در بین مردم جهان محبوبیت دارد. صاحب‌نظران موسیقی اهمیت وردی در آهنگسازی اپرا را هم‌تراز بتهوون در سمفونی می‌دانند. پر بیراه نیست اگر بگوییم هیچ آهنگساز ایتالیایی به اندازه وردی به شهرت و محبوبیت نرسیده است.

در یادگیری موسیقی پشتکار و تمرین بسیار اهمیت دارد. حتی اگر بهترین آموزشگاه موسیقی در تهران را هم انتخاب کنید و در نزد بهترین اساتید نواختن ساز را یاد بگیرید ولی اگر تمرین کافی نداشته باشید نتیجه مطلوبی نخواهید گرفت.

«اوبرتو» اولین اپرای وردی بود که در سال 1839 در میلان تولید شد. این اپرا موفقیت‎‌های بسیاری را برای وردی به همراه داشت. مرگ همسر وردی هم‌زمان با دومین اپرای او با نام «سلطنت یک روزه» اتفاق افتاد. اجرای این اپرا با شکست مواجه شد به طوری که وردی تصمیم گرفت آهنگسازی را برای همیشه کنار بگذارد. بعدها با تشویق مرلی رئیس لا اسکالای میلان اپرای «نابوکا» را ساخت. اولین اجرای این اپرا در سال 1842 شهرت فراوانی را برای وردی به همراه داشت.

بسیاری از صاحب‌نظران عقیده دارند اپرای مکبث وردی مهم‌ترین و اصیل‌ترین اپرایی است که وردی نوشته است. این اپرا در سال 1847 برای اولین بار به دور از داستان عاشقانه ساخته شد. اپرای «اورشلیم» اولین اثر وردی بود که در سبک اپرای بزرگ فرانسوی ساخته شد.

اپرای ریگولتو در سال 1851 بر اساس نمایشنامه‌ای از ویکتور هوگو با عنوان سرگرمی‌های شاهانه ساخته شد. این اپرا با وجود صحنه‌های دراماتیک و تاثیرگذار به ویژه در صحنه پایانی به عنوان یکی از اپراهای مشهور وردی شناخته می‌شود. اپرای ریگولتو به همراه ایل تراواتوره و لا تراویاتا به سه‌گانه‌های جوزپه وردی مشهور هستند.

اوج اپراهای وردی در فاصله سال‌های 1855 تا 1867 بود. سه اثر آخر وردی در اپرا برجسته‌ترین آثار او محسوب می‌شوند. اپرای آیدا با وجود صحنه‌های تماشایی با باله‌ها و هم‌سرایی‌ها یک اپرای شکوهمند است. اپراهای اتلو و فالستاف آثار اخیر وردی هستند و نسبت به آثار قبل او پختگی موسیقایی بالاتری دارند. وردی در سن هفتاد و سه سالگی اپرای اتلو را بسیار توانمند و پر احساس آفریده است. فالستاف آخرین اپرای وردی شاهکاری کمیک است که در حرف نهایی‌اش می‌گوید دنیا سراسر یک شوخی است!

موسیقی وردی

وردی می‌گوید: «در مقوله نمایش طولانی بودن مترادف کسالت‌بار بودن است و سبک کسل‌کننده از هر سبک دیگری بدتر.» وردی کارهایش را برای عامه مردم که سرگرمی اصلی آنها اپرا بود می‌ساخت.

وردی در طول دوره فعالیتش از آهنگسازانی نظیر روسینی، بلینی، جیاکومو میربر و به ویژه از جاتانو دونیزتی و ساوریو مرسادانته تاثیر گرفته است. تنها آثاری که بدون هیچ تاثیرگذاری از دیگران نوشته شده اپراهای اتلو و آیدا بوده است.

وردی همواره دنبال موضوعاتی بود که استعدادش در موسیقی را نشان دهد و عطش او را در این هنر فرونشاند. او ارتباط تنگاتنگی با سرایندگان آثارش داشت و تاکید داشت تمام جزئیات حتی به ظاهر بی‌اهمیت روایت شود تا غنای نمایشی صحنه حفظ شود.

جوهره اپراهای وردی ملودی آوازی است. در اپراهای وردی دوئت‌ها، تریوها و کوارتت‌های بسیاری وجود دارند که نشان‌دهنده احساسات اوست. هم‌سرایی‌ها نظیر هم‌سرایی کولی‌ها، راهب‌ها، کاهنان مصری و… در اپراهای وردی نقش بسیار مهمی دارند.

منتقدان آثار وردی عقیده دارند او توجه کمی به مسائل تکنیکی آهنگسازی داشت و در واقع در این زمینه فاقد توانایی بود. وردی در این باره می‌گوید: «در میان تمام آهنگسازان چه پیش از این و چه پس از این، من از همه کمتر آموخته‌ام! با این حال آموختن موسیقی به معنای دریافت درک و دانش موسیقی نیست».

جوزپه وردی در سال 1901 دچار سکته قلبی شد و از دنیا رفت. در مراسم خاکسپاری این آهنگساز برجسته در میلان بزرگ‌ترین اجرای عمومی در تاریخ هنر ایتالیا با ترکیبی از چند ارکستر و کر شامل 820 خواننده و نوازنده به رهبری آرتورو توسکانینی برگزار شد.